Historia del Blues (Parte III)
Los inicios del blues eléctrico
En 1939 se desata la Segunda Guerra Mundial, aunque no afectó a EEUU hasta diciembre de 1941. Los años 40 se abren con una serie de acontecimientos que van a ser fundamentales en el devenir del blues de esa década. El primero de ellos es la entrada de EEUU en la Segunda Guerra Mundial, tras el bombardeo el 7 de diciembre de Pearl Harbour. Esto afectó al blues de dos maneras, una fue negativa, ya que el reclutamiento para el ejército conllevó que muchos músicos dejaran de actuar y que algunas agrupaciones se disolvieran. Por otra parte, la emigración supuso que una vez que los músicos volvieron de la Guerra, se quedaban en las ciudades, y eso a la larga fue positivo para el blues.
El segundo acontecimiento importante es la huelga de la Federación Americana de Músicos, convocada el 1 de agosto de 1942 por el Presidente de la Federación, James Petrillo, rebelde que puso en jaque a las discográficas. El principal motivo de la huelga fue la lucha por los derechos de autor. Hasta 1942 una discográfica no tenía que pagar derechos de autor por los discos que vendía, pagaba al músico en cuestión por la grabación, y luego eso quedaba en su poder, sin que el músico percibiera nada. Es verdad que ya había músicos que ganaban dinero con derechos de autor, pero sólo en casos excepcionales, y por cuestiones de fidelidad a la discográfica. En 1944 la huelga se fue progresivamente desconvocando, ya con algunos avances en ese sentido, aunque habría numerosos problemas en el futuro.
La tercera cuestión importante fue derivada de la primera, y fue la multiplicación de discográficas independientes. Cuando acaba la huelga, vuelven los músicos reclutados en la Segunda Guerra Mundial y se regulariza el vinilo, porque durante la Guerra había habido escasez de laca y se investigó sobre nuevos materiales para grabar. Muchos pequeños empresarios se animaron a fundar pequeñas discográficas, que además se centraron en grabar música negra, ya que las grandes discográficas entonces estaban mucho más interesadas en figuras que les daban grandes beneficios, los crooners, con nombres como Bing Crosby o Frank Sinatra. Estas figuras utilizaban el micrófono con mucho cuidado, de manera estructural (su sonido es indispensable sin el micrófono), procedentes de las orquestas de swing de los años 30, fueron ganando fama progresivamente, hasta que en los años 40 adquirieron gran relevancia.
A finales de los años 40, en las grandes plantaciones de algodón, empieza a extenderse la cosechadora mecánica, con lo cual se necesita menos mano de obra, y muchos trabajadores empiezan a malvivir y la emigración no se trata ya de mejores oportunidades, sino de mera supervivencia. Hay otra cuestión muy importante en esta época, y es el incremento y la mejora de las estaciones de radio por todo el territorio de EEUU. La Segunda Guerra Mundial produjo una mejora en las comunicaciones, particularmente en la radio, al ser un arma de guerra importante. Todo esto, que se usa para dudosos fines, pasa luego a lo civil. Desde principios de los años 40 va a haber una serie de emisoras de radio que, o bien se dedican a radiar música, o bien la graban y desde ahí con antenas muy potentes, pueden retransmitirla a otras partes del país.
A finales de los años 40 se va a establecer en Memphis la primera emisora enteramente dedicada a retransmitir música negra, la WDIA. Es muy importante, ya que en ella empezaron a trabajar músicos como B. B. King, y cantantes como Elvis Presley la citan como una de sus principales fuentes a la hora de modelar sus gustos musicales. Muchos de las estrellas del blues, que habían grabado sobre todo en Chicago desde mediados de los años 30, van a seguir grabando, y en torno al año 45-46, cuando se restablecen todas las comunicaciones, las radios se vuelven a destinar a usos estrictamente civiles y las discográficas vuelven a tener una actividad regular siguieron vendiendo, siguieron en gran medida dominando esa escena del blues de mediados de los años 40, pero desde el año 1947-48, su sonido se volvió anticuado para el público. De hecho, la denominación que se había impuesto hasta entonces para esos discos, Race records, se consideró una cosa del pasado, y no sólo del pasado, sino ofensiva en el nuevo contexto posterior a la Segunda Guerra Mundial. Ahora las Race records pasaron a denominarse Rhythm and blues. Para romper este estilo anticuado, va a entrar un instrumento revolucionario que van a adoptar la mayoría de los músicos de blues a mediados de los años 40: la guitarra eléctrica.
Les Paul es el inventor de la guitarra eléctrica, en 1941. Desde 1945-46 Leo Fender va a comercializar los primeros modelos para el gran público. La gran mayoría de los músicos, de los guitarristas que grabaron a finales de los años 40, o al menos los que lo hicieron con éxito, utilizan la guitarra eléctrica. Esto no quiere decir que todos le den el mismo uso. De hecho se pueden dividir en dos grandes categorías según ese uso de la amplificación y de la guitarra eléctrica en particular. Por un lado, hubo una serie de cantantes-guitarristas, que amplificaron sus guitarras pero se valieron muy poco de la distorsión, tocaron normalmente solos y continuaron explotando un sonido más íntimo y más “acústico”, muy en línea con la tradición del blues rural de los años 30. Los principales exponentes fueron Lightnin’ Hopkins (1912-1982) y John Lee Hooker (1917-2001). Estos guitarristas tuvieron una particularidad, y es que no se asentaron principalmente en Chicago. Por ejemplo Lightnin’ Hopkins desarrolló su vida en Houston, y John Lee Hooker tocó y grabó sobre todo en Detroit.
A pesar de que todos tocaban ya con guitarra eléctrica, hay un uso muy distinto entre estos músicos que siguen un estilo bastante acústico y lo que va a ocurrir en Chicago, donde se va a desarrollar otra tendencia, de la que fue muy difícil escapar. Prácticamente, o tocabas en ese estilo o no tenías cabida en el panorama musical. Ese estilo de Chicago reunía características, por un lado del blues rural de los años 20-30, por otro del blues urbano de Chicago de los años 30 y por otro de los shouters, músicos que en los años 30 (en realidad desde finales de los años 20) desarrollaron su carrera con bandas de jazz y sin amplificación. Se llamaban shouters ya que eran capaces de cantar por encima de la banda de jazz sin amplificación, es decir, tenían voces muy potentes. En realidad son los antecedentes de los crooners, que no necesitaban esa voz al modularla con el micrófono. Los shouters, que se habían desarrollado en las pequeñas ciudades, en los locales de las zonas rurales, no utilizaban micrófonos.
Estas tres corrientes van a ser las grandes influencias que confluyan en el llamado blues eléctrico de Chicago, muchas veces conocido como estilo Chicago. La influencia del blues rural va a estar sobre todo en la voz y en la guitarra, que va a usar repetidamente slide y riffs. En la tradición de los shouters van a tomar la potencia de la voz y la formación instrumental, al contrario de lo que ocurre con el blues rural eléctrico. El estilo Chicago usa pequeñas bandas de 4-5-6 músicos como mucho. Normalmente se usan dos guitarras eléctricas, batería, bajo, piano y en ocasiones instrumentos de viento, algún saxofón y en el caso de Muddy Waters, la armónica.
Esta va a ser la tendencia musical básica para el nacimiento del rock & roll, que surge en línea directa con el blues de Chicago.
La gran figura es Muddy Waters (1913-1983). Otras son Little Walter (1930-1968), que cambió la forma de tocar la armónica en el blues, y Howlin´Wolf (1919-1976), un guitarrista con una voz muy peculiar. Muddy Waters se convierte en la gran figura del blues eléctrico urbano o estilo Chicago.
El principal atractivo de Muddy Waters, aparte de su estilo, fue la constante autoafirmación identitaria en sus canciones y el tratamiento constante, insistente y abierto la sexualidad. El blues había utilizado el sexo como tema recurrente desde los años 20, pero siempre de una forma más o menos moderada, con dobles sentidos, etc. Muddy Waters y sus seguidores van a convertirse en verdaderos símbolos sexuales, no sólo en Chicago, y en los primeros músicos de blues que van a tener mayoritariamente una audiencia femenina negra. Esto no significa que antes no tuviera un público femenino, de hecho los estudios demuestras que iba a la par entre hombres y mujeres. El mayor éxito de la carrera de Muddy Waters va a ser una canción que explota completamente esa vertiente sexual de su persona, esa vertiente desaforada, exuberante, (I´m Your) Hoochi Coochie Man, de 1954.
Análisis musical I'm Your Hoochie Coochie Man
La instrumentación se compone de voz, dos guitarras eléctricas, batería, armónica, contrabajo y piano. En cuanto a volumen, densidad sonora, no podemos hablar de semejancia con el blues eléctrico rural. Los instrumentos comienzan con un riff. Parte de una escala pentatónica que va hacia la nota La. Ese riff fue compuesto por el bajista, Willie Dixon, que va a ser uno de los principales compositores del blues eléctrico urbano, del blues eléctrico de Chicago. Va a dar sus principales éxitos a varios números 1 del blues aparte de Muddy Waters, como Etta James. Realmente este riff se ha convertido uno de los más exitosos de la historia del blues. La armónica es muy original, ya que se entiende por primera vez como un instrumento de viento que cumple un importante papel, al igual que lo pueden hacer otros instrumentos ya consagrados. Una de los grandes rasgos distintivos de Muddy Watters es el efecto de su guitarra slide y su voz en conjunto con la armónica Little Walter.
En cuanto a la forma, la canción está compuesta en 16 compases, divididos en a (4)- a (4)- B (8). Esta parte B se subdivide de la siguiente forma: IV (2)-I (2)- V (1)- IV (1)-I/V (2). El ritmo es claramente trocaico.
La voz, acorde con la canción, es potente, extrovertida, casi gritada, lo cual también diferencia del blues rural. La letra es abiertamente sexual.
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